Театр и музыка в России на рубеже XIX – XX вв.

В начале века русский театр переживал свое обновление.

Важнейшим событием в театральной жизни страны стало открытие в Москве Художественного театра (1898), основанного К.С. Станиславским и В.Н. Немировичем-Данченко. Московский Художественный театр осуществил реформу, охватывающую все стороны театральной жизни — репертуар, режиссуру, актёрское искусство, организацию театрального быта; здесь впервые в истории была создана методология творческого процесса. Ядро труппы составили воспитанники драматического отделения Музыкально-драматического училища Московского филармонического общества (О. Л. Книппер, И. М. Москвин, В. Э. Мейерхольд), где актёрское мастерство преподавал В. И. Немирович-Данченко, и участники любительских спектаклей руководимого К. С. Станиславским «Общества искусства и литературы» (М. П. Лилина, М. Ф. Андреева, В. В. Лужский, А. Р. Артём). Позднее в труппу вошли В. И. Качалов, Л. М. Леонидов.

Первым спектаклем Московского Художественного театра стал «Царь Федор Иоаннович» по пьесе А. К. Толстого; однако подлинное рождение нового театра связано с драматургией А. П. Чехова и М. Горького. Тонкая атмосфера чеховского лиризма, мягкого юмора, тоски и надежды была найдена в спектаклях «Чайка» (1898), «Дядя Ваня» (1899), «Три сестры» (1901), «Вишнёвый сад» и «Иванов» (оба в 1904). Поняв жизненную правду и поэтичность, новаторскую сущность драматургии Чехова, Станиславский и Немирович-Данченко нашли особую манеру её исполнения, открыли новые приёмы раскрытия духовного мира современного человека. В 1902 г. Станиславский и Немирович-Данченко поставили пьесы М. Горького «Мещане» и «На дне», пронизанные предчувствием назревавших революционных событий. В работе над произведениями Чехова и Горького сформировался новый тип актёра, тонко передающего особенности психологии героя, сложились принципы режиссуры, добивающейся актёрского ансамбля, создания настроения, общей атмосферы действия, декоративного решения (художник В. А. Симов), были выработаны сценические средства передачи скрытого в обыденных словах так называемого подтекста (внутреннего содержания). Впервые в мировом сценическом искусстве МХТ поднял значение режиссёра — творческого и идейного интерпретатора пьесы.

В годы поражения Революции 1905—07 и распространения различных декадентских течений Московский Художественный театр ненадолго увлёкся поисками в области символистского театра («Жизнь человека» Андреева и «Драма жизни» Гамсуна, 1907). После этого театр обратился к классическому репертуару, однако поставленному в новаторской режиссерской манере: «Горе от ума» Грибоедова (1906), «Ревизор» Гоголя (1908), «Месяц в деревне» Тургенева (1909), «На всякого мудреца довольно простоты» Островского (1910), «Братья Карамазовы» по Достоевскому (1910), «Гамлет» Шекспира, «Брак поневоле» и «Мнимый больной» Мольера (оба в 1913).

 

В 1904 году в Петербурге возник театр В.Ф. Комиссаржевской, театр передового современного репертуара. Здесь ставились пьесы М. Горького, А. П. Чехова, Г. Ибсена, произведения русских драматургов, группировавшихся вокруг издательства «Знание» (С. А. Найденов, Е. И. Чириков и др.). Сама Комиссаржевская с неизменным успехом выступала в главных ролях. Общественно-политическими событиями стали спектакли «Дачники» (1904, 1-я постановка) и «Дети солнца» (1905) Горького; широкое признание получили «Кукольный дом» Ибсена, «Чайка» Чехова, «Авдотьина жизнь» Найденова и др.

Увлекшись идеями символистского условного театра, Комиссаржевская пригласила в театр главным режиссёром В. Э. Мейерхольда, который поставил там спектакли «Сестра Беатриса» Метерлинка, «Балаганчик» Блока, «Жизнь человека» Андреева и др. Однако свойственное Мейерхольду предельное господство режиссёра, полная зависимость от него актёра привели Комиссаржевскую к разрыву ним. В 1908 с частью труппы она уехала на гастроли: сперва в Северной Америке (1908), затем по городам России (1908-10).

После смерти Комиссаржевской в 1910 г. труппа театра распалась.

 

Развитие лучших традиций музыкального театра связано с императорским Мариинским театром в Петербурге и Большим театром в Москве, а также Московской частной русской оперой, основанной и существовавшей на средства мецената С. И. Мамонтова. Частная опера Мамонтова пропагандировала произведения русских композиторов, прежде всего П.И. Чайковского, утверждала новые принципы в оперно-театральном искусстве, реалистический тип оперного спектакля (действенный хор, оформление). Мариинский и Большой театры, безусловно, переживали в начале ХХ века период расцвета. Это связано с высоким уровнем исполнителей, талантливых певцов мирового класса, из которых в первую очередь следует отметить Ф.И. Шаляпина, затем Л.В. Собинова, Н.В. Нежданову, И.В. Ершова.

 

Русский балет на рубеже XIX-XX вв. был одним из наиболее развитых видов театрального искусства. Танец достиг высокой выразительности и технического совершенства; значительным явлением в истории балета был приход в балетный театр композиторов-симфонистов. Такие постановки, как «Спящая красавица» П. И. Чайковского (1890), «Раймонда» А. К. Глазунова (1898), поставленные Петипа, «Щелкунчик» (1892) и «Лебединое озеро» (1895) Чайковского, поставленные Л. И. Ивановым и М.И. Петипа, обобщали мысли, чувства, передавали глубокое человеческое содержание.

Балетмейстер М.М. Фокин ввел балет в круг идей и образов, характерных для искусства начала ХХ века. Его «Павильон Армиды» Н. Н. Черепнина (1907), «Шопениана» на музыку Ф. Шопена (1908), «Карнавал» на музыку Р. Шумана (1910), «Жар-Птица» и «Петрушка» И. Ф. Стравинского (1910 и 1911) стилистически и тематически были близки художникам «Мира искусства», перекликались с современной поэзией, исканиями театральной режиссуры. В одноактных балетах Фокина, драматургически завершенных и цельных, на смену каноническим танцевальным композициям пришла новая хореография: динамическая танцевальная пантомима, танец, проникнутый мимической выразительностью. Попытку реформировать балетное искусство предпринял также А. А. Горский, стремившийся к реалистической мотивировке действия («Дочь Гудулы» А. Ю. Симона, 1902; «Саламбо» А. Ф. Арендса, 1910).

Борьба академического и нового направлений отразилась на исполнительском искусстве. Прославились участвующие в экспериментах Фокина Т. П. Карсавина, В. Ф. Нижинский. Однако выдающаяся русская балерина А. П. Павлова предпочитала все же классические формы балета.

К этому времени балет как самостоятельный и творчески развивающийся вид искусства существовал только в России. Поэтому достижения русских мастеров сказались на развитии мировой хореографии. Большой резонанс в Европе получили «Русские сезоны» - выступления отечественных оперы и балета за границей, организованные С.П. Дягилевым.

 

Ярчайшей страницей в истории русской музыки является творчество композитора Н.А. Римского-Корсакова. Его музыка глубоко самобытна и вместе с тем развивает классические традиции. Наиболее характерные черты творческого облика Римского-Корсакова выявляются в произведениях, связанных с миром сказочности, народной фантастики, с поэзией русской природы, красочными картинами народного быта. Здесь раскрываются его замечательный живописно-изобразительный дар, свежесть и особая чистота лирики, искренней, тёплой и несколько созерцательной. Композитор использует в своих произведениях подлинные народные темы и органично претворяет песенные интонации в собственных мелодиях. Много нового вносит он в гармонию и аранжировку, значительно расширяя и обогащая их колористические возможности.

Со второй половины 1890-х гг. творчество Римского-Корсакова приобрело исключительную интенсивность и разнообразие. После оперы-былины \"Садко\" (1896), с её контрастом эпических картин новгородского быта и фантастических «подводных» сцен, композитор сосредоточивает внимание на внутреннем мире человека. Стремление к углублённой лирической выразительности проявляется в романсах (1897-98), опере «Моцарт и Сальери» (1897), и наиболее полно раскрывается в опере «Царская невеста» (1898) - напряженно-экспрессивной драме на историко-бытовой основе. Дыхание времени своеобразно проявилось в величественной, патриотической опере-легенде «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» (1904), поднимающей высокие нравственно-философские проблемы. Сатирическими по сути своей являются оперы-сказки «Кащей бессмертный» (1901) и «Золотой петушок» (1907).

 

На начало ХХ века приходится расцвет дарования композитора С.В. Рахманинова. Его искусство отличает жизненная правдивость, демократическая направленность, искренность и эмоциональная полнота художественного высказывания. В его сочинениях тесно сосуществуют страстные порывы непримиримого протеста и тихое созерцание, трепетная насторожённость и волевая решимость, мрачный трагизм и восторженность гимна. Тема родины, центральная в зрелом творчестве Рахманинова, с наибольшей полнотой воплотилась в его крупных инструментальных произведениях, особенно во 2-м (1901) и 3-м (1909) фортепьянных концертах.

Рахманинов известен также как талантливый пианист и один из крупнейших оперных и симфонических дирижёров своего времени.

 

Значительное воздействие на развитие фортепианной и симфонической музыки XX века оказало творчество А.Н. Скрябина. Смелый новатор, он создал свой звуковой мир, свою систему образов и выразительных средств. Его музыка воспевает мощь человеческого духа, пафос борьбы и ликование победы, героическое дерзание и лучезарный свет. В его наследии 1880-90-х гг. преобладает жанр романтической миниатюры: прелюдии, этюды, ноктюрны, мазурки, экспромты. Однако в 1900-е гг. выкристаллизовалась философская концепция композитора, и замыслы приобрели грандиозный размах, требующий симфонических форм выражения. От идей преобразования мира посредством искусства (1-я симфония с хоровым финалом-апофеозом на собственный текст, 1900) Скрябин пришёл к утопическому, но величественному замыслу \"Мистерии\" - некоего вселенского художественно-литургического действа, объединяющего все виды искусства. Идея обновления, становления творческого духа, гордого самоутверждения лежит в основе 3-й симфонии (\"Божественной поэмы\", 1904) и получает законченное художественное выражение в одночастных симфонических поэмах - \"Поэма экстаза\" (1907) и \"Прометей\" (\"Поэма огня\", 1910).

 

Творчество И.Ф. Стравинского, русского композитора и дирижера, отличается образно-стилистической множественностью, подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В начале XX века композитор переживал так называемый «русский период», вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица» (1910), «Петрушка»(1911), «Весна священная» (1913). В те годы Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку.



http://ptales.holdgold.ru - "Провинциальные истории", 23.03.07